舞蹈舞台摄影技巧,舞蹈舞台摄影技巧有哪些

大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于舞蹈舞台摄影技巧的问题，于是小编就整理了2个相关介绍舞蹈舞台摄影技巧的解答，让我们一起看看吧。

1. 舞台摄影应该如何进行曝光设置？
2. 舞台艺术摄影的主要特性是什么？

舞台摄影应该如何进行曝光设置？

分享我的经验～

1、舞台拍摄难点在哪里？

三点：曝光、白平衡 、关键性瞬间，曝光不准影响的不仅仅是画面亮度，同时还会影响到画面色彩，而对于关键性瞬间需要前两个配合，尤其是曝光蛇者中快门设定以及光圈合理搭配。

2、曝光如何设置，始于观察舞台光线情况，终于正确测光测光模式选择

第一种情况-多色温光源舞台氛围铺垫，主人***顶上一盏射灯，这时注意光比情况，为达到拍摄画面中舞台灯光和主人公曝光准确，优先使用佳能（ 评价测光）、索尼&尼康(多重测光），但是相比自然光的亮度还是低，ISO尽量开启到相机实用高感的上限。

第二种情况-舞台上只有主人***顶的射灯，画面高反差，主人公除特写拍摄外，其他景别尤其是有大背景的情况下，注意曝光的手动补偿，目前针对此种拍摄环境索尼微单三代全幅微单以及部分黑卡相机具备了强光模式，针对这种拍摄环境非常有效，尼康相机中央重点平均测光，佳能局域测光，当拍摄全身或者环境人像时，***用黑减曝光补偿消除曝光不准的影响。

3、曝光影响色彩，但是前提是选择正确的白平衡

索尼的黄在三代全幅微单到得到改善，但是在舞台尤其是上面说的第一种情况下，发生偏色可能性变大，根据舞台人工光源色温变化情况，使用白平衡微调，无论是AWB还是手动色温情况下都可以使用，要点就是，色彩互补原则，比如偏蓝对应调整对应的***就可，最终达到人物颜色还原准确。

4、决定瞬间，需要曝光保驾护航

看到，感受到，拍到，是发生在一瞬间的事情，这一瞬间要先保证画面内的颜色、亮度、对焦、构图方面符合大众观看习惯，对于决定瞬间需要自己的眼力和捕获关键点的能力，曝光显得非常重要，对于决定瞬间能达到看到、感受和拍到一气呵成，而缩短拍到时间是可以做到的，在实用感光度上限内，做到尽可能提高快门。当然拍摄水袖表演时，为了实现唯美效果就要降低快门。

谢谢邀请。舞台摄影主要有二类。一类是歌舞、舞蹈类。这类舞台摄影有一定的难度。为了获得漂亮的询丽多彩的灯光效果，光线色温比较复杂且变化快。此时，白平衡设置只能为自动，待在后期时再可调整色温。曝光的设置，我使用的方法是用评价测光并适当减曝。因为舞台光线的变化很快的，自动测光有迟后，所以很难正确曝光。照片很容易过曝，一片死白。真因为由于舞台多是比较亮的，即使曝光不正确，照片欠曝一般也不会造成死黑。后期可以调整。所以 “宁欠勿过”在这儿是很实用的。

另一类，戏剧类。比如话剧、锡剧等，由于戏剧的舞台灯光是比较稳定，基本没有变化或变化不大的。最多有一主光跟随演员移动的。所以曝光设置相对比较容易一点。我惯用的设置是***用对准演员进行点测光，并也减曝1至2档，因为有一只主光源是跟随主角移动的，所以主角身上的光线一定是比舞台环境的光线亮很多。我这样是为了能达到演员更有立体感和舞台间空间感的效果。

舞台艺术摄影的主要特性是什么？

舞台摄影是摄影艺术的一个种类。指通过摄影将舞台上的艺术造型生动而完美地表现出来的一种艺术形式。举凡在舞台上演出的戏剧、舞蹈、音乐、曲艺和杂技等，都是它的拍摄对象，舞台摄影要求根据舞台艺术的不同形式和表演方法，在瞬间抓住富有代表性的场面和优美的表情动作，将那些优美的、具有深刻意义的舞台艺术表演拍摄来，向社会介绍，存档，让人们欣赏玩味。

舞台摄影艺术特征

与其它摄影体裁相比，舞台摄影在创作条件上有一些特殊性，一是照明上的特殊性，表现为光线弱，光照强度变化大，舞台区域间反差强；二是拍摄点相对固定；三是拍摄距离变化小；四是舞台表演的情节性。

舞台摄影一般分三种情形：1、在演出现场抓拍2、在彩排时拍照3、专门组织拍照。无论何种情形，都要做到：在拍摄前熟悉剧情，了解演出***；了解表演者的风格和表现特征；拍摄时要抓住重要情节或表演的瞬间或相对静止的一刹那。这样才能得到真实生动的艺术照片。

因此，舞台摄影中，首先要了解不同类型的艺术表演的规律和特点；其次要了解主要“剧中人”在某一位置所构成的代表性场面，制定相应的拍摄***；第三是准备必要的摄影器材，如小型相机、交焦[_a***_]及各种附加镜、高速胶片等；第四是适应剧情选择好拍摄方位和角度，掌握好拍摄“瞬间”。

动态美是舞台摄影的最重要的审美特征，优秀的舞台摄影作品都体现了主体的运动感，形成动态之美。舞台摄影表现动态美的最佳对象是舞蹈，画面形象的虚实处理是造成照片动感的关键，一般要求人物脸部清晰，以充分表现其神态情绪，而人物肢体的快速动作则要虚化，使画面虚实结合、动静相衬，凸现人物于情节与意境中。

舞台艺术摄影的特点:

1.光线暗淡

舞台表演一般都在夜晚或者礼堂表演，通过灯光照明来实现照明和舞台效果

2.灯光变化无常

舞台灯光会随着剧情的发展变化而变化，亮度时高时低，色光和白光单独出现或混合交替出现，形成了舞台的光源不断变化，曝光较难掌握。

3.反差强

舞台上的灯光，根据剧情的需要，常出现正面光强侧光及顶光弱的现象，顶光下产生强烈投影，造成演员的眼窝，鼻子下出现较重的阴影，有时局部表演区明亮，其他地方及天幕，背景等一片漆黑，形成强烈反差。

4.舞台表演瞬间变化

舞台演出，演员动作变化无常，特别是舞蹈类的演出，舞台片好拍，但拍好了难，能拍出意境的更难，强调的是抓住决定性的瞬间

谢邀，舞台摄影是摄影中比较常见的类型，由于灯光和人物的变化比较大，舞台摄影的难度也比较大。总结起来主要有一下几个特点：

1、艺术性较弱，实用性较强

相比其他摄影类型来说，舞台摄影一般不强调艺术性，重点是将舞台上的表演清晰地记录下来，实用性比较强。

舞蹈本身就是一种艺术，摄影一般作为艺术的记录者，把它真实的记录下来，不过摄影师也是可以进行再创作的，比如设置较慢的快门时间，形成舞者的运动轨迹，这也是有艺术效果的。

2、灯光、人物等条件复杂，难度较高

我们都知道，要拍出清晰的照片，就需要正确的参数。对于静止的风光，我们只需要设置好相机参数，甚至可以使用p档，就能拍出清晰的照片。

舞台摄影的难度在于，舞台灯光变化大，明暗对比强烈，人物也在不断的运动当中，这就给我们设置相机参数带来了麻烦。我们需要不断调整相机参数，以平衡各要素之间的关系。

3、实效性强，数量大

每一场演出都是演员们精心准备的结果，他们给观众带来了美的享受，也很迫切地想看看自己在舞台上的样子，拍摄完后需要尽快返图。每一场晚会一般都会拍摄大量的照片，尽可能记录每个人的表演，这也给摄影师后期带来了很大的工作量。因此，摄影师就需要在前期拍摄上尽量拍好，减少后期时间，及时返图。

原则上是根据舞台灯光的色温决定，舞台灯从最暖的***到最冷的蓝色一般色温区间在2000K-8000K，恰好的白平衡可以反映真实的色彩

但是利用特定的色温设置达到其他特殊的表现效果也是可行的

到此，以上就是小编对于舞蹈舞台摄影技巧的问题就介绍到这了，希望介绍关于舞蹈舞台摄影技巧的2点解答对大家有用。